Παρίσι: Τα 10 καλύτερα μουσεία που πρέπει να επισκεφτείς – Τα αριστουργήματα της παγκόσμιας τέχνης που φιλοξενούν

Υπάρχουν αμέτρητες εκθέσεις που έχει δει όλο το Παρίσι, παγκοσμίως γνωστά μουσεία που γνωρίζουν ή έχουν επισκεφτεί όλοι ή που θα πρέπει να έχουν δει. Σε αυτά τα μουσεία και εκθεσιακούς χώρους του Παρισιού, φιλοξενούνται κάποια από τα μεγαλύτερα αριστουργήματα της παγκόσμιας τέχνης. Με κίνδυνο, μερικές φορές, να επισκιαστούν οι άλλοι θησαυροί που περιέχονται στα μουσεία του Παρισιού, ιδιαίτερα στις μόνιμες συλλογές τους, επιλέξαμε να σας παρουσιάσουμε έναν από αυτούς σε 10 μουσεία της πόλης.

Το Time Out Paris επικεντρώθηκε σε αυτά τα έργα, τα οποία εκτίθενται στο Λούβρο , στο Orsay , στο Centre Pompidou ή στο Quai Branly, αλλά και σε λιγότερο γνωστά μέρη. Επιλέγοντας 10 κομμάτια, στόχος ήταν να καταγραφούν και να παρουσιαστούν κάποια από τα πιο διάσημα αριστουργήματα της πρωτεύουσας της Γαλλίας. Επιπλέον, κατά τη διάρκεια αυτής της “καλλιτεχνικής αποστολής”, δεν θα δείτε τη La Joconde , ούτε το La Victoire de Samothrace, ούτε το La Dame à la Licorne, των οποίων τη συντριπτική διασημότητα φαίνεται σχεδόν περιττό να τονίσει κάποιος. Οπότε έπρεπε να γίνουν επιλογές, καθοδηγούμενες από την περιέργεια που μερικές φορές μας ωθεί να αναζητήσουμε το απροσδόκητο, το απίθανο, το ξεχασμένο.

Αν και η λίστα περιορίζεται σε έργα που παραμένουν συνεχώς παρόντα στις παριζιάνικες συλλογές, δεν είναι στάνταρ.

Εν ολίγοις, όλα ξεκίνησαν με μια πολύ απλή επιθυμία: να ανακαλύψουν ή να ξαναβρούν έργα που ξεχωρίζουν για τη σύνθεσή τους, την ομορφιά τους, την παραξενιά τους ή το πλαίσιο μέσα στο οποίο γεννήθηκαν. Έργα που συμβάλλουν το καθένα με τον τρόπο του στον καλλιτεχνικό πλούτο του Παρισιού.

1.Μουσείο Ορανζερί (Musée de l’Orangerie) • Νούφαρα (Claude Monet, 1914-1926)

Σχεδόν εκατό μέτρα μπογιά. Εκατό μέτρα μαργαριταρένια νερά, απλωμένα κατά μήκος των τειχών. Εκατό μέτρα γαλαζωπών, πράσινων και μωβ αποχρώσεων, μερικές φορές με πινελιές ροζ και κίτρινου, που αγκαλιάζουν τους οβάλ τοίχους της L’Orangerie . Δεν είναι καθόλου τυχαίο που το Les Nymphéas εμφανίζεται στα δρομολόγια των περισσότερων τουριστικών πρακτόρων, κάνοντας μερικές φορές αυτό το μουσείο σημείο αναφοράς για πλήθος τουριστών. Αποτέλεσμα δώδεκα χρόνων δουλειάς, τα οκτώ πάνελ του Monet δεν παύουν ποτέ να συναρπάζουν με το μέγεθός τους, την σχεδόν αφηρημένη ομορφιά τους και την εντύπωση του απείρου που δίνουν. Ο καλλιτέχνης θα ήθελε να δημιουργήσει εκεί την «ψευδαίσθηση ενός ατελείωτου συνόλου, ενός κύματος χωρίς ορίζοντα και χωρίς ακτή». Εκεί συμπυκνώνει επίσης όλη την εικαστική έρευνα μιας καριέρας που τοποθετείται κάτω από το πρόσημο του ιμπρεσιονισμού και φτάνει μαζί τους σε μια όψιμη αποθέωση.

Ήταν στον κήπο του στο Giverny που ο Monet άντλησε έμπνευση για αυτά τα υδάτινα τοπία, εκτάσεις νερού πασπαλισμένες με νούφαρα πάνω στα οποία αντανακλώνται σύννεφα και ιτιές.

2.Εργαστήρι Brancusi • Princess X (Constantin Brancusi, 1915-1916)

Όχι, δεν έχετε μόλις προσγειωθεί σε ένα σεξ shop, σε απόσταση αναπνοής από το Marais. Και αυτό το πλάσμα χυτό σε γυαλισμένο μπρούτζο δεν είναι δονητής, αλλά… πριγκίπισσα! Προφανώς, δεν έχουν όλοι αυτή τη γνώμη: το 1916, η φαλλική μορφολογία αυτού του γλυπτού του Constantin Brancusi προκάλεσε τον αποκλεισμό του από το Salon d’Antin και στη συνέχεια, το 1920, από το Salon des Indépendants (πριν επανεισαχθεί εκεί χάρη σε μια αναφορά υπογεγραμμένη από μια σειρά φίλων καλλιτεχνών). Πρέπει να ειπωθεί ότι αυτή η Πριγκίπισσα Χ , που γεννήθηκε στα μέσα της εποχής του Νταντά, παίζει παιχνιδιάρικα με το διπλό νόημα και την ασάφεια (αν και ο Μπρανκούζι ισχυρίστηκε το αντίθετο): μια εξαιρετικά εκλεπτυσμένη γυναικεία φιγούρα – από την οποία μόνο οι καμπύλες ενός μπούστου και ενός προσώπου, οι λεπτομέρειες ενός χεριού και πρόταση μιας χαίτης από μαλλιά – θυμίζει επίσης το αρρενωπό και ανδρόγυνο σώμα μιας γυναίκας. Συμπυκνωμένο με ματαιοδοξία, ερωτισμό και «αιώνια θηλυκότητα» , αυτό το λαμπερό κόσμημα που φλερτάρει με την αφαίρεση κληροδοτήθηκε στο κράτος από τον γλύπτη το 1957 και τώρα εκτίθεται στο ανακατασκευασμένο στούντιο του Brancusi , το esplanade Beaubourg. 

3.Μουσείο Rodin • The Thinker (Auguste Rodin, 1904)

Μοιάζει λίγο με τον υπεράνθρωπο της γλυπτικής: ένα δυνατό πνεύμα στο σώμα ενός αθλητή, που φαίνεται να κουβαλά στους ώμους του όλα τα κακά και τις αμφιβολίες αυτού του κόσμου. Φτιαγμένος για τις Πύλες της Κόλασης (το διάσημο μνημείο που σχεδίασε ο Ροντέν σε φόρο τιμής στη Θεία Κωμωδία του Δάντη ), ο Στοχαστής ονομάστηκε για πρώτη φορά Ποιητής : αρχικά αντιπροσώπευε τον Ιταλό συγγραφέα, συλλογιζόμενος το έργο του από το αέτωμα της μεγάλης χάλκινης πύλης. Μόλις το 1888 το γλυπτό εκτέθηκε, προτού διευρυνθεί το 1904. Μνημειακό και πολύ δημοφιλές στο κοινό, το γυμνό με φουσκωμένους μύες έγινε τότε ένα από τα πιο εμβληματικά έργα τέχνης του καλλιτέχνη – χωρισμένος από τον Δάντη και την Κόλαση , μεταβαίνει τώρα στην ανωνυμία και την αλληγορία για να ενσαρκώσει ένα είδος μεταφοράς για την υπαρξιακή αμφισβήτηση.

4.Κέντρο Πομπιντού (Centre Georges Pompidou)• Συντριβάνι (Marcel Duchamp, 1917)

Δεν είναι ουρητήριο, είναι το σιντριβάνι με την υπογραφή R. Mutt – του Marcel Duchamp: από τα μέσα του 20ου αιώνα, το μεγαλύτερο μέρος της σύγχρονης τέχνης μοχθεί μετά από αυτό… Απελευθερώνοντας τον εαυτό του από όλες τις συμβάσεις και τις αξίες που είχε αποδεχτεί μέχρι εκείνος, ο αυθόρμητος πρώην Νταντά κατάφερε να βυθίσει τον κόσμο της τέχνης σε μια απορία που οι πολλαπλοί οπαδοί του (Hirst, Koons και οι συνεργάτες τους) δεν είναι κοντά στην επίλυση.

Πρόκληση, προ-πανκ χειρονομία ή ειρωνικό “κόκκαλο ροκανίσματος” που εκτοξεύτηκε από τους κριτικούς, πολύ μελάνι θα κυλήσει γι’ αυτό το αναπόφευκτο pissotière, που τώρα έχει εγγραφεί στην ιστορία, δικαίως ή αδίκως, σαν το θανατηφόρο χτύπημα σε ορισμένους και ως ιδέα της νεωτερικότητας. Ωστόσο, μειώνοντας την καλλιτεχνική δόξα και τις φιλοδοξίες καθώς και στο άσχημο στο τίποτα, ο Duchamp ισχυρίστηκε απλώς ότι αναζητούσε, μέσω των έργων του, μια κατάσταση ήρεμης αδιαφορίας, μια απόσταση που δεν τον νοιάζει, που θα έχει βαρύνει.

Εν ολίγοις, ο Ντυσάν θα έχει ουσιαστικά καταστρέψει την τέχνη με την καταστροφική ευφυΐα του, και το αυθάδικο παιδικό του μάτι. Αναπόφευκτο, έχει τη γοητεία να είναι ο πρώτος που έστειλε στον διάβολο οποιαδήποτε υπέρβαση ή κριτήριο γούστου, όπως κάθε αυθεντία σε θέματα τέχνης. Πόσο μάλλον που αναπόφευκτα παραμένει ένας από τους πιο κουλ (τουλάχιστον Γάλλους) καλλιτέχνες του περασμένου αιώνα, που χάρισε στον 20ο αιώνα τη Μόνα Λίζα του. Πάνω στο οποίο μας καλεί να ουρήσουμε, έστω.

5.Μουσείο Ορσέ (Musée d’Orsay) • Μεσημεριανό γεύμα στο γρασίδι – Le Déjeuner sur l’herbe (Edouard Manet, 1863)

Πρόκειται για ένα έργο που έχει αναστατώσει τον κόσμο της τέχνης. Παρουσιάστηκε στο Salon des Refusés το 1863, το Le Déjeuner sur l’herbe και προκάλεσε σκάνδαλο, τόσο για τα λόγια του όσο και για το ύφος του. Με αυτήν την αγροτική σκηνή, ο Μανέ αγγίζει τα γούστα της εποχής του (που κυριαρχείται από τον ερωτισμό) και καταφέρνει να σοκάρει με το πιο κοινότοπο πράγμα στη ζωγραφική: ένα γυναικείο γυμνό. Για το δικό του γυμνό, ο Manet το τοποθετεί ανάμεσα σε δύο άντρες με σύγχρονη ενδυμασία, αφαιρώντας έτσι κάθε πιθανότητα αλληγορικής ή μυθολογικής ερμηνείας. Το επίμονο βλέμμα που ρίχνει η γυναίκα στον θεατή, ξεδιάντροπη και ατίθαση, δεν αφήνει περιθώρια αμφιβολίας: εδώ μιλάμε για σεξ. Και αν ήμασταν ακόμη διστακτικοί, το αναποδογυρισμένο καλάθι με φρούτα υποδηλώνει ότι δεν φάγαμε μόνο κεράσια κατά τη διάρκεια αυτού του πικ-νικ στη σκιά των δέντρων.

Ταυτόχρονα το τοπίο, η καθημερινή σκηνή και η νεκρή φύση, το Le Déjeuner sur l’herbe, εμπνευσμένο από τον Τιτσιάν και τον Ραφαέλ, επιμένει να αποτελεί μέρος της συνέχειας μιας μακράς παράδοσης. Αλλά πειράζει και τους κώδικες με μεγάλη ειρωνεία. Μόνο οι διαστάσεις του καμβά (208 x 264,5 εκ.) θα συμβάλλουν στο να κατηγορηθεί ο Μανέ: συνήθως προορίζεται για ιστορικά θέματα, αυτή η μορφή εφαρμόζεται εδώ σε μια καθημερινή κατάσταση, η οποία επιπλέον αφορά αμφισβητήσιμα ήθη. Όσο για τον ίδιο τον πίνακα, δεν παύει ποτέ να παίζει με παραφωνία: το τοπίο, απλώς σκιαγραφημένο, χωρίς βάθος, μοιάζει με τεχνητό σκηνικό. Οι διαβαθμίσεις εγκαταλείπονται προς όφελος των έντονων αντιθέσεων μεταξύ σκιάς και φωτός που δίνουν την εντύπωση ότι οι χαρακτήρες, πλαισιωμένοι λοξά, δεν είναι καλά ενσωματωμένοι στη σύνθεση.

Ο Manet υπογράφει λοιπόν ένα προκλητικό έργο σε μορφή μανιφέστου, το οποίο θα παρατεθεί, αντιγραφεί και παρωδηθεί πολλές φορές (από τους Monet, Picasso, Alain Jacquet, John Seward Johnson, Yue Minjun ή την ομάδα Bow Wow Wow μεταξύ άλλων). Αναμφίβολα ο πρώτος σύγχρονος πίνακας.

6.Petit Palais • Τρεις λουόμενοι -Trois baigneuses (Paul Cézanne, 1879-1882)

Λουόμενοι και λουόμενοι, ο Σεζάν ζωγράφισε πολλούς από αυτούς. Υπολογίζεται ότι περισσότεροι από 200 πίνακες και σχέδια ο αριθμός των έργων που αφιέρωσε στα γυμνά σώματα. Μεταξύ αυτών, αυτός ο καμβάς τράβηξε το βλέμμα του Matisse το 1899: αφού τον αγόρασε από τον συλλέκτη Reunionese Ambroise Vollard που τον κρατούσε στο σπίτι του για σχεδόν σαράντα χρόνια, ο ζωγράφος Fauve τον δώρισε στο Petit Palais το 1936. Λέει ότι θαυμάζει την «πολύ πυκνή» σύνθεση, όλες τις διαγώνιες που υποχωρούν. Αυτή η πολυσύχναστη κατασκευή, που εγγράφει τη σάρκα των τριών γυναικών σε ένα είδος πρωτόγονης όσμωσης με το γύρω τοπίο. Η ξανθιά, η κοκκινομάλλα και η μελαχρινή είναι εδώ σαν πνιγμένες στη μπογιά impasto, στη σκιά των τοξωτών δέντρων που οριοθετούν τον πίνακα. Αναδύεται μια ποιητική αρμονία, μια πληρότητα που είναι περισσότερο αλληγορία παρά σκηνή του είδους. Πάντα σε επιφυλακή για έναν πίνακα αίσθησης, που αποτελείται από μια άνευ προηγουμένου ύφανση σχημάτων και γραμμών προοπτικής, ο Σεζάν, με τους Trois baigneuses του, έφερε καθαρό αέρα και μια γεύση κυβισμού.

7.Μουσείο του Λούβρου • Κεφαλή ειδώλου – Tête d’idole (Κέρος, 2700-2300 π.Χ.)

Τριγωνική μύτη. Υπερβολικά γυαλισμένο μάρμαρο. Εξαιρετικά απλοποιημένα γεωμετρικά σχήματα. Ένα πορτρέτο με υπογραφή Μπρανκούζι. Παρά την αγνότητα και τα στυλιζαρισμένα χαρακτηριστικά του, αυτό το άγαλμα που μοιάζει με δημιουργία σύγχρονης τέχνης προέρχεται στην πραγματικότητα από την αρχαία Ελλάδα. Σχεδιασμένο μεταξύ 2700 και 2300 π.Χ., αρχικά κρεμόταν πάνω από το σώμα μιας γυναίκας ύψους σχεδόν 1,50 μέτρου και πιθανότατα είχε πινελιές μπογιάς που έδειχναν τα μάτια και το στόμα. Σήμερα, μόνο οι ελαφρές προεξοχές των αυτιών και της μύτης, διακριτικά λαξευμένες στην πέτρα, αναδεικνύουν τη δομή του προσώπου. Άριστα διατηρημένο, αυτό το κεφάλι από το νησί της Κέρου παραμένει μια από τις πιο πειστικές μαρτυρίες των ειδώλων που άκμασαν τότε στο αρχιπέλαγος των Κυκλάδων.

8. Center Pompidou • Sylvia von Harden (Otto Dix, 1926)

Επιλέγοντας να ζωγραφίσει το πορτρέτο μιας χειραφετημένης γυναίκας που πίνει καφέ και καπνίζει μόνη της σε μια βεράντα, ο Otto Dix εξετάζει τη νέα κοινωνία του Μεσοπολέμου στην καρδιά ενός σύγχρονου Βερολίνου όπου πέρασε δύο χρόνια μεταξύ 1925 και 1927. Ο Γερμανός ζωγράφος λέει στους διανοούμενους, στους πιο διαβρωτικούς πίνακές του, τα σπασμένα πρόσωπα του: χωρίς μακιγιάζ, χωρίς μεγεθυντική πραγματικότητα, αλλά σκιαγραφώντας διφορούμενες φιγούρες, χαρισματικές στην ασχήμια τους. Ομοίως, οι συνθέσεις του πάντα προβληματίζονται από λεπτομέρειες που ειρωνικά διαταράσσουν την αρμονία τους: εδώ, οι ασαφείς κάλτσες συγκρούονται με τη φαινομενική διαβεβαίωση της δημοσιογράφου, καθώς το φόρεμά της συγκρούεται με τα έπιπλα αρ ντεκό που την περιβάλλουν.

9. Μουσείο Gustave Moreau • The Apparition (Gustave Moreau, 1876)

Σε αυτήν την επιλογή σημαντικών έργων που έπρεπε να συλλογιστούμε στις στροφές των δρόμων και στα παριζιάνικα μουσεία, ήταν δύσκολο για εμάς να παραλείψουμε τους πίνακες του Gustave Moreau. Πρώτον γιατί αυτός ο καλλιτέχνης του 19ου αιώνα είναι αδιαμφισβήτητα ένας από τους μεγάλους δεξιοτέχνες του συμβολισμού και γιατί το έργο του, δημιουργημένο ενάντια σε κάθε μορφή ακαδημαϊσμού, προσφέρει σε όποιον θέλει να τον παρατηρήσει μια παράξενη, ποιητική αλλαγή σκηνικού και συναρπαστική.

Στη συνέχεια, επειδή ο άντρας έζησε στο Παρίσι και στο τέλος της ζωής του επέλεξε να κληροδοτήσει το ατελιέ του και όλα του τα έργα στο γαλλικό κράτος, εκφράζοντας την επιθυμία να το δει μεταμορφωμένο σε μουσείο. «Χωρισμένοι, είπε, [οι συνθέσεις μου] χάνονται από κοινού, δίνουν μια ιδέα για το ποιος ήμουν ως καλλιτέχνης και για το περιβάλλον στο οποίο μου άρεσε να ονειρεύομαι. Όμορφη επιθυμία”. Ακόμα και σήμερα στον αριθμό 14 rue de la Rochefoucauld, μπορείτε να επισκεφθείτε το περίπτερο του ζωγράφου, τρεις υπέροχους ορόφους που φιλοξενούν τους θησαυρούς του. Στους τοίχους εκτίθονται πλήθος έργων. Λυρικά και αισθησιακά, αντλώντας από μύθους, ταξίδια ή λογοτεχνία τη δύναμη της ενοχλητικής υποβλητικής τους δύναμης, υπνωτίζουν τους επισκέπτες τους. Ο ίδιος ο André Breton υπέκυψε σε αυτή την τεράστια και απίστευτη εμπλοκή: «Η ανακάλυψη του μουσείου Gustave Moreau, όταν ήμουν 16 ετών, καθόρισε για πάντα τον τρόπο αγάπης μου (…) Ονειρευόμουν να μπω σε αυτό τη νύχτα (…).

Το συγκεκριμένο έργο, λιγότερο γνωστό από τον δίδυμο καμβά του που εκτίθεται στο Musée d’Orsay, δεν είναι όμως λιγότερο συναρπαστικό. Ο Gustave Moreau παίρνει ένα απόσπασμα από τη Βίβλο, τον μύθο της Σαλώμης και το κεφάλι του Αγίου Ιωάννη του Βαπτιστή. Δίπλα στους αμέτρητους ζωγράφους που έφεραν στο φως αυτόν τον μύθο στο πέρασμα των αιώνων, ο Gustave Moreau περνάει για το σεληνιακό παιδί που επανεφευρίσκει ιστορίες και αλλάζει κώδικες.

Ο πίνακας κουβαλά μέσα του μια παράξενη ένταση, ρομαντική και απεικονίζει θαυμάσια τον τρόπο με τον οποίο ο Συμβολιστής ζωγράφος ονειρευόταν τα θέματά του, χωρίς όρια και δεσμά.

10.Μουσείο Guimet • Tête de Jayavarman VII (τέλη 12ου – αρχές 13ου αιώνα)

Η βασιλεία του Jayavarman VII είδε την επιστροφή των Χμερ στην Καμπότζη και το Angkor: μετά από μια μακρά εξορία, ο ένδοξος βασιλιάς κατέλαβε αυτές τις περιοχές. Χωρίς αμφιβολία, λόγω έλλειψης εμπιστοσύνης στον Σαϊβισμό, ο οποίος είχε αποτύχει να προστατεύσει τον λαό του, στράφηκε στον Βουδισμό Μαχαγιάνα, τον οποίο καθιέρωσε ως κρατική θρησκεία.

Αυτή η αλλαγή θρησκείας δημιουργεί μια νέα αισθητική και εξηγεί τη νηφαλιότητα αυτού του κεφαλιού από ψαμμίτη. Ο κυρίαρχος εμφανίζεται πολύ ταπεινός, τα μάτια χαμηλωμένα, κατευνασμένα. Το «χαμόγελο Angkor», απαλό και αινιγματικό, στα χείλη του. Στο στυλ Bayon (τέλη 12ου-αρχές 13ου αιώνα), οι γλύπτες εγκατέλειψαν τους συνήθεις κανόνες της νεότητας και της ομορφιάς για να προτιμήσουν ένα πιο νατουραλιστικό, πιο απογυμνωμένο, πιο ευαίσθητο στυλ. Ένα από τα αριστουργήματα στην ιστορία της γλυπτικής, σύμβολο μιας λαμπρής περιόδου που τελείωσε στα μέσα του 13ου αιώνα, με την επιστροφή του Σαϊβισμού.

Δείτε επίσης

Share:

Share on facebook
Share on twitter
Share on pinterest
Share on linkedin

The New You

Στοιχεία Επικοινωνίας

Βρείτε μας στα Social Media:

Αφήστε μας ένα μήνυμα